Jules Olitski Kimdir ?

Jules Olitski Biyografi 

Doğum: 27 Mart 1922 – Snovsk, Ukrayna

Ölüm: 4 Şubat 2007 – New York, New York

Jules Olitski’nin Biyografi

Jules Olitski, 27 Mart 1922’de Snovsk, Rusya’da (şimdi Ukrayna) Jevel Demikovsky’de doğdu.Bolşevik babası, doğumundan birkaç ay önce Beyaz Rus ordusu tarafından idam edildi.1923’te annesi ve büyükannesi onu Amerika Birleşik Devletleri’ne getirdi ve burada aile Brooklyn, New York’ta yeni bir hayata başladı.Annesi 1926’da yeniden evlendi ve annesinin yeni kocası Hyman Olitsky’nin soyadını aldı.Bir büro hatasında yanlış basıldıktan sonra adının yazımını daha sonra hayatında değiştirdi.

Olitski, çizim için erken bir yetenek gösterdi ve gençliğinde sanat dersleri almaya başladı.1939’da New York’taki Pratt Enstitüsü’ne burs kazandı.1940’tan 1942’ye kadar Ulusal Tasarım Akademisi’nde okudu ve Manhattan’ın Doğu Yakası’ndaki Beaux Arts Tasarım Enstitüsü’nde dersler aldı.1942’de Amerika Birleşik Devletleri vatandaşı olduktan sonra, II.Dünya Savaşı sırasında üç yıl askerlik hizmetine alındı. Yurtdışında hiç hizmet etmemiş olmasına rağmen, 1949’dan 1951’e kadar Paris’te yaşadı ve GI Yasası’nın eğitim yararları sayesinde Ossip Zadkine Okulu ve Academie de la Grande Chaumiere’ye devam edebildi.İlk tek kişilik sergisi 1951’de Galerie Huit’te açıldı.

Olitski, 1951’de New York’a geri döndü ve 1952’de Sanat Lisansını ve 1954’te Sanat Eğitiminde Yüksek Lisans derecesini aldığı New York Üniversitesi’nde okumaya başladı.1956’da Güzel Sanatlar Bölümünün başına geçti. Yedi yıl boyunca ders verdiği Long Island Üniversitesi CW Post Koleji’nde.

Bu süre zarfında, Olitski New York’ta bir sanatçı olarak tanınmaya başladı. 1958’de Iolas Gallery’de sergiler açtı ve 1959’da şehirdeki ilk tek kişilik sergisini ünlü eleştirmen Clement Greenberg’in danışman olduğu French & Co. galerisinde yaptı.Greenberg, Olitski’nin azimli şampiyonu oldu ve kariyerini zirvesine taşıdı.

Greenberg tarafından keşfedildiği sırada Olitski, Hans Hofmann gibi daha eski ressamlardan etkilenen Soyut Dışavurumcu bir deyimle tek renkli tuvaller yaratıyordu.Ancak kısa süre sonra çeşitli medya ve yeni teknikler denemeye başladı.1950’lerin sonlarında, New York Okulu’nun jestsel soyutlamasına, Aksiyon Resminin ağır impasto ve ayırt edici fırça darbelerine tepki gösteren bir grup genç sanatçı tarafından meydan okunuyordu. Greenberg tarafından ” resim sonrası soyutlama ” olarak adlandırılan bir tarzda, derinlik yanılsamasını ve ressamın elinin herhangi bir kanıtını ortadan kaldırmaya çalıştılar.

Tek kişilik sergisini ünlü eleştirmen Clement Greenberg’in danışman olduğu French & Co. galerisinde yaptı. Greenberg, Olitski’nin azimli şampiyonu oldu ve kariyerini zirvesine taşıdı.

Greenberg tarafından keşfedildiği sırada Olitski, Hans Hofmann gibi daha eski ressamlardan etkilenen Soyut Dışavurumcu bir deyimle tek renkli tuvaller yaratıyordu.Ancak kısa süre sonra çeşitli medya ve yeni teknikler denemeye başladı.1950’lerin sonlarında, New York Okulu’nun jestsel soyutlamasına, Aksiyon Resminin ağır impasto ve ayırt edici fırça darbelerine tepki gösteren bir grup genç sanatçı tarafından meydan okunuyordu. Greenberg tarafından ” resim sonrası soyutlama ” olarak adlandırılan bir tarzda, derinlik yanılsamasını ve ressamın elinin herhangi bir kanıtını ortadan kaldırmaya çalıştılar.

Olitski, meslektaşları Helen Frankenthaler , Ellsworth Kelly ve Morris Louis ile birlikte post-ressam soyutlamanın öncülerinden biriydi.Bu sanatçılar, doğrudan üzerine hızlı kuruyan akrilik pigmenti dökerek tuvali boyama yöntemi gibi belirli teknikleri paylaştılar.Olitski’nin leke boyama ile yaptığı deneyler , 1960’ların başlarındaki çalışmalarına damgasını vuran parlak renkler ve büyük, basitleştirilmiş şekiller içeren Cleopatra Flesh (1962) gibi eserlerde görülebilir.Ancak 1960’ların ortalarında Olitski yöntemini aniden değiştirdi.1964’te, Tin Lizzie Green (1964) gibi yapıtlarında, boyayı tuvale incecik, üst üste bindirilmiş kesintisiz renkli tabakalar halinde bastırmak için silindirler kullanmaya başladı.

Olitski’nin en önemli atılımı 1965 baharında, astarsız, gerdirilmemiş tuvale yarı saydam boya katmanları uygulamak için endüstriyel püskürtme tabancalarını kullanmaya başladığı zaman geldi.Bu süreç çığır açıcıydı.Tüm çizim kalıntılarını ve sanatçının elini kaldırdı. Michael Fried dahil olmak üzere bazı eleştirmenler tarafından kabul edildi.Olitski’nin Corcoran Gallery’deki 1967 sergisine yaptığı girişte, Renk Alanı hareketinin apotheosis’i olmak, çünkü “her birinin yoğunluğu sürekli dalgalanıyor gibi görünen farklı renklerin iç içe geçmesini mümkün kıldı.” Fried, bu iç içe geçme ve dalgalanmanın modern sanatta yeni bir görsel deneyim yarattığını söylemeye devam etti: “Olitski, rengi atomize ederek resim yüzeyini de atomize etti, hatta parçaladı.” Derinliğin ortadan kaldırılması ve resim yüzeyinin yeni anlayışı, Olitski’nin resimlerinin “havaya püskürtülen ve orada kalan bazı renklerden başka bir şeye benzememe” hedefini göstermektedir.

Bu zamana kadar Olitski, New York avangardının önemli bir oyuncusu haline geldi ve 1966’da 33.Venedik Bienali’nde Helen Frankenthaler , Ellsworth Kelly ve Roy Lichtenstein ile birlikte Amerika Birleşik Devletleri’ni temsil etmek üzere seçildi.Katalogda Greenberg, Olitski’ye övgüler yağdırdı ve resimlerini “şaheserler” olarak nitelendirdi. Olitski’nin yıldızı 1960’ların sonlarında yükselmeye devam etti. 1967’de Corcoran Gallery’de büyük bir serginin konusu oldu ve heykeli 1969’da Metropolitan Museum of Art’ta tek kişilik bir sergide sergilendi.New York’ta yakın arkadaş çevresi ressam Kenneth Noland ve ressamları içeriyordu.Larry Poonsve heykeltıraşlar Anthony Caro ve David Smith.Ayrıca 1963’ten 1967’ye kadar Bennington Koleji’nde sanat öğreterek Vermont’ta zaman geçirdi.

Bununla birlikte, 1970’lerin başında Olitski, çalışma şeklini bir kez daha değiştirdi ve kendinden öncekilerin jestsel soyutlamalarına geri dönen kalın bir impastoda boya uygulamaya başladı. 1973’te Boston Güzel Sanatlar Müzesi tarafından düzenlenen büyük bir retrospektifin konusu olmasına rağmen, eleştirel görüş dalgası onun aleyhine dönmeye başladı.Ressamlık sonrası soyutlamaya Pop art , Minimalizm ve Kavramsal sanat tarafından meydan okunmuştu.Ancak Olitski, bu yeni hareketlerden bağımsız olarak, istediği gibi resim yapmaya devam etti.Onun ısrarı, 1973 retrospektifinde “ilginç kalan tek yapıtlar 1962’de ürettiği yapıtlar” diye yazan Hilton Kramer gibi eleştirmenlerden sert eleştiriler aldı. Olitski’nin heykele yaptığı baskınlara verilen aynı derecede olumsuz eleştiri, Amerikan avangardının yanlarına itti. Olitski’nin diğer eleştirmenler ve genç akranları arasındaki itibarındaki düşüş, büyük olasılıkla sadece Greenberg’in 1990’a kadar Olitski’nin yaşayan en iyi Amerikan ressamı olduğu yönündeki devam eden iddiasıyla hızlandı.Sabit bir dizi sanatsal ideale olan bağlılığı, görünüşe göre kariyeri için bir çıkmaza dönüşmüştü.

1973 retrospektifini izleyen yirmi yıl boyunca, Olitski’nin çalışmaları nadiren büyük sergilere dahil edildi ve satışları ciddi bir düşüş gördü.Ancak, kamusal ve eleştirel beğenideki bu değişiklikten yılmadan, denemeye devam etti. Grisaille paletinden yanardöner bitişli daha parlak tonlara geçerken, fırça çalışması giderek daha dinamik hale geldi ve boya uygulaması daha da ağırlaştı.Bu dönemde derinlik ve hareketi benimsemesi, 1980’lerin ve 1990’ların başlarındaki çalışmalarının Meleklerin Yaşamları 1990 gibi sonraki sanat tarihçileri ve eleştirmenleri tarafından “barok” olarak tanımlanmasına neden oldu.

Olitski’nin 1990’ların sonlarına ait resimleri, New Hampshire’daki yazlık evinin ve Florida Keys’deki kışlık evinin yakınındaki manzaralardan esinlenmiştir.Saf soyutlama ayrıca baskı resim ve suluboya ile ilgilenmeye başladı ve zamanının büyük bir kısmını bu medyaya ayırdı.Kariyeri boyunca yaptığı gibi, gece boyunca resim yapmayı ve günün geç saatlerine kadar uyumayı tercih etti.

Hayatının son on yılında Olitski, With Love and Disregard (2002) başlıklı canlı, güçlü soyutlamaların son serisine başladı.Bu seri 2002 yılında New York’ta sergilendiğinde birçok olumlu eleştiri aldı. Olitski, 2007 yılında 84 yaşında kanserden ölene kadar resim yaptı. Üçüncü karısı Joan (Kristina olarak bilinir) Olitski’nin yanı sıra önceki evliliklerinden iki kızı ve bir üvey kızı tarafından yaşatıldı.

1960’larda Olitski, Renk Alanı Resmini ve ressamlık sonrası soyutlamayı tanımlamada yer aldı.Sonraki on yıllar boyunca, sanatsal geleneklere meydan okumaya devam etti.Sürekli değişen stili ve teknikleri onu kategorize etmeyi zorlaştırdı ve uzun bir süre tutarlı bir estetiği sürdüren çağdaşları (Frankenthaler ve Louis gibi) tarafından gölgede bırakıldı.Bununla birlikte, 1970’lerden 1990’lara kadar çalışmalarının olumsuz bir şekilde karşılanmasına rağmen, Olitski, renk ve ışığın etkileşimi, resimsel alan ve seçtiği boya ortamının etkileyici potansiyeli ile geniş kapsamlı deneylere olan bağlılığında dimdik durdu.Hayatının son yıllarında son eserlerini sergilediğinde, halkın ve eleştirel beğeniler yeniden, bu sefer onun lehine değişmeye başlamıştı.

Olitski’nin sanatı dünya çapındaki galerilerde sergilenmeye devam ediyor ve Modern Sanat Müzesi, Metropolitan Sanat Müzesi, Solomon R. Guggenheim Müzesi, Ulusal Sanat Galerisi ve Tate gibi önemli müze koleksiyonlarında temsil ediliyor. 2011 yılında Olitski, Kansas City, Missouri’deki Kemper Museum of Contemporary Art tarafından düzenlenen ve Amerika Birleşik Devletleri’ni dolaşan ve bilimsel bir kataloğun eşlik ettiği büyük ölçekli bir retrospektif serginin konusu oldu. Olitski’nin kariyerinin bu yakın zamanda yeniden incelenmesi, onun yüzyıl ortası bir soyutlamacı olarak önemini ve daha genç nesil soyut ressamlar üzerindeki etkisini doğruladı.

Oldenburg’un etkileri, çalışmalarının inceliği ve çok değerli anlamı uyarınca, ilgisiz görünen bir dizi sanatçıya ve harekete dokunarak çeşitli yönlere dağılır.Oldenburg kutlama yaparken olduğu kadar alaycı da (Washington Anıtı’nı bir çift hadım makasıyla değiştirmek için başka kim bir plan yapar.Yaşam boyu süren takıntısı olan rahat yemek, belki de teselli edilemez yalnızlığın nihai sembolüdür.Birinci kuşak feministler bunu fark ettiler ve Niki de Saint- Phalle ile Lynda Benglis , ilk çalışmalarında bir dereceye kadar öykündükleri onun esnek, etkileyici biçimlerine çekilen ilk heykeltıraşlar arasındaydı.Ek olarak, Donald Judd’ın “Specific Objects” (1965) adlı ufuk açıcı makalesinde, yemek hazırlama sürecini taklit etmede kabul ettiği gibi (Örneğin Yer Pastası , dondurma kartonları ile doldurulur, buzlanma benzeri boya ile malalanır ve katmanlar halinde birleştirilir.Oldenburg Minimalizm inancını öngördü : “öyleyse bu”.

Oldenburg’un çalışmalarından zevk almak için sanata veya sanat tarihine yapılan çok katmanlı referansları anlamak gerekmez. Parlak rengi, büyük boyutlu ölçeği ve izleyiciye yönelik arsız çekiciliği, aralarında Jeff Koons ve Damien Hirst’in de bulunduğu gündelik nesnelerin ölçeğini, yerleşimini ve dokusunu manipüle etmeye odaklanan sonraki çağdaş heykeltıraşları etkiledi . Andy Warhol ve Jeff Koons arasındaki kayıp halka olan Oldenburg, tüketici iştahını kucaklayarak izleyicilere istediklerini, kelimenin tam anlamıyla “bırak pasta yesinler” vererek, yeni bir çığır açtı.